TEKNIK VOKAL

Dalam Seni Musik terdapat 2 (dua) unsur yaitu : Vocal dan Instrument.
Vocal adalah alunan nada-nada yang keluar dari suara manusia.
Instrument adalah nada-nada yang keluar dari alat musik yang digunakan.
TEKNIK VOCAL adalah : Cara memproduksi suara yang baik dan benar, sehingga suara yang keluar terdengar jelas, indah, merdu, dan nyaring.
UNSUR-UNSUR TEKNIK VOCAL :
1. Artikulasi, adalah cara pengucapan kata demi kata yang baik dan jelas.
2. Pernafasan, adalah usaha untuk menghirup udara sebanyak-banyaknya, kemudian disimpan, dan dikeluarkan sedikit demi sedikit sesuai dengan keperluan.
Pernafasan di bagi tiga jenis, yaitu :
- Pernafasan Dada : cocok untuk nada-nada rendah, penyanyi mudah lelah.
- Pernafasan Perut : udara cepat habis, kurang cocok digunakan dalam menyanyi, karena akan cepat lelah.
- Pernafasan Diafragma : adalah pernafasan yang paling cocok digunakan untuk menyanyi, karena udara yang digunakan akan mudah diatur pemakaiannya, mempunyai power dan stabilitas vocal yang baik.
3. Phrasering, adalah aturan pemenggalan kalimat yang baik dan benar sehingga mudah dimengerti dan sesuai dengan kaidah-kaidah yang berlaku.
4. Sikap Badan, adalah posisi badan ketika seseorang sedang nyanyi, bisa sambil duduk, atau berdiri, yang penting saluran pernafasan jangan sampai terganggu.
5. Resonansi, adalah usaha untuk memperindah suara dengan mefungsikan rongga-rongga udara yang turut bervibrasi/ bergetar disekitar mulut dan tenggorokan.
6. Vibrato, adalah usaha untuk memperindah sebuah lagu dengan cara memberi gelombang/ suara yang bergetar teratur, biasanya di terapkan di setiap akhir sebuah kalimat lagu.
7. Improvisasi, adalah usaha memperindah lagu dengan merubah/menambah sebagian melodi lagu dengan profesional, tanpa merubah melodi pokoknya.
8. Intonasi, adalah tinggi rendahnya suatu nada yang harus dijangkau dengan tepat.
Syarat-syarat terbentuknya Intonasi yang baik :
a. Pendengaran yang baik
b. Kontrol pernafasan
c. Rasa musical.
Nada, adalah bunyi yang memiliki getaran teratur tiap detiknya.
Sifat nada ada 4 yaitu :
a. FITCH yaitu ketepatan jangkauan nada.
b. DURASI yaitu lamanya sebuah nada harus dibunyikan
c. INTENSITAS NADA yaitu keras,lembutnya nada yang harus dibunyikan.
d. TIMBRE yaitu warna suara yang berbeda tiap-tiap orang.
AMBITUS SUARA adalah luas wilayah nada yang mampu dijangkau oleh seseorang.
Seorang penyanyi professional harus mampu menjangkau nada-nada dari yang paling rendah sampai yang paling tinggi sesuai dengan kemampuannya.
CRESCENDO adalah suara pelan berangsur-angsur keras.
DESCRESCENDO adalah suara keras berangsur-angsur pelan.
STACATO adalah suara dalam bernyanyi yang terpatah-patah.
SUARA MANUSIA DIBAGI 3 (TIGA) :
Suara Wanita Dewasa ;
a. Sopran (suara tinggi wanita)
b. Messo Sopran (suara sedang wanita)
c. Alto (suara rendah wanita)
Suara Pria Dewasa :
a. Tenor (suara tinggi pria)
b. Bariton (suara sedang pria)
c. Bas (suara rendah pria)
Suara Anak-anak :
a. Tinggi
b. Rendah.
TANGGA NADA DIATONIS adalah rangkaian 7 (tujuh) buah nada dalam satu oktaf yang mempunyai susunan tinggi nada yang teratur.
Tangga Nada Diatonis Mayor adalah Tangga Nada yang mempunyai jarak antar nadanya 1 (satu) dan ½ (setengah).
Ciri-ciri tangga nada Diatonis Mayor :
- Bersifat riang gembira
- Bersemangat
- Biasanya diawali dan diakhiri dengan nada Do = C
- Mempunyai pola interval : 1 , 1 ,. ½, 1 , 1 , 1, ½
Contoh Lagu yang bertangga nada Mayor :
Maju Tak Gentar, Indonesia Raya, Hari merdeka, Halo-halo Bandung, Indonesia Jaya, Garuda Pancasila, Mars Pelajar.
Ciri-ciri Tangga nada Diatonis Minor :
- Kurang bersemangat.
- Bersifat sedih
- Biasanya diawali dan diakhiri dengan nada La = A
- Mempunyai pola interval : 1 , ½ , 1 , 1 , ½ , 1 , 1 .
Catatan : Teori ini kurang sesuai dengan musik Dangdut yang banyak berkembang di Indonesia.
Contoh Lagu yang bertangga nada Minor : Syukur, Tuhan, Gugur Bunga.
TANGGA NADA KROMATIS adalah tangga nada yang mempunyai jarak antar nadanya hanya ½ . Contoh : C – Cis – D – Dis- E – F – Fis – G – Gis – A – Ais – B
TANGGA NADA ENHARMNONIS adalah rangkaian tangga nada yang mempunyai nama dan letak yang berbeda, tetapi mempunyai tinggi nada yang sama.
Contoh : Nada Ais-Bes, Cis-Des, Gis-As, Dis-Es, Fis-Ges.
APRESIASI yaitu Totalitas kegiatan yang meliputi penglihatan, pengamatan, penilaian, dan penghargaan terhadap suatu karya seni.
BIRAMA adalah ketukan tetap yang berulang-ulang pada sebuah lagu.
Contoh birama : 2/4 , 3/4 , 4/4 , 6/8
PADUAN SUARA adalah Penyajian musik vocal yang terdiri dri 15 orang atau lebih yang memadukan berbagai warna suara menjadi satu kesatuan yang utuh dan dapat menampakan jiwa lagu yang dibawakan.
JENIS-JENIS PADUAN SUARA :
1. Paduan Suara UNISONO yaitu Paduan suara dengan menggunakan satu suara.
2. Paduan Suara 2 suara sejenis, yaitu paduan suara yang menggunakan 2 suara manusia yang sejenis, contoh : Suara sejenis Wanita, Suara sejenis Pria, Suara sejenis anak-anak.
3. Paduan Suara 3 sejenis S - S – A, yaitu paduan suara sejenis dengan menggunakan suara Sopran 1, Sopran 2, dan Alto.
4. Paduan Suara 3 suara Campuran S – A – B, yaitu paduan suara yang menggiunakan 3 suara campuran , contoh : Sopran, Alto Bass.
5. Paduan suara 3 sejenis T- T – B, yaitu paduan suara 3 suara sejenis pria dengan suara Tenor 1, Tenor 2, Bass.
6. Paduan Suara 4 suara Campuran, yaitu paduan suara yang mengguanakan suara campuran pria dan wanita, dengan suara S – A – T – B. Sopran, Alto, Tenor, Bass.
DIRIGEN / CONDUCTOR adalah orang yang memimpin Paduan Suara.
Syarat-syarat seorang Dirigen/ Conductor yang baik :
a. memiliki sifat kepemimpinan
b. memiliki ketahanan jasmani yang tangguh
c. sebaiknya sehat jasmani dan rohani
d. simpatik
f. menguasai cara latihan yang efektif
g. memiliki daya imajinasi yang baik
h. memiliki pengetahuan, keterampilan, dan kemampuan bermain musik.
TANDA DINAMIK adalah tanda utuk menyatakan keras, lembutnya sebuah lagu yang dinyanyikan. Contoh-contoh Tanda Dinamik :
1. f : forte = keras
2. ff : fortissimo = sangat keras
3. fff : fortissimo assai = sekeras mungkin
4. mf : mezzo forte = setemgah keras
5. fp : forte piano = mulai dengan keras dan diikuti lembut
6. p : piano = lembut
7. pp : pianissimo = sangat lembut
8. ppp : pianissimo possibile = selembut mungkin
9. mp : mezzo piano = setengah lembut
PERUBAHAN TANDA DINAMIKA :
- Diminuendo (dim) : melembut
- Perdendosi : melembut sampai hilang
- Smorzzande : sedikit demi sedikit hilang
- Calando : mengurangi keras
- Poco a poco : sedikit demi sedikit / lambat laun
- Cresscendo : berangsur-angsur keras
- Decrsescendo : berangsur-angsur lembut
TANDA TEMPO adalah tanda yang diguakan untuk menunjukan cepat atau lambatnya sebuah lagu yang harus dinyanyikan.
A.TANDA TEMPO CEPAT
1. Allegro : cepat
2. Allegratto : agak cepat
3. Allegrissimo : lebih cepat
4. Presto : cepat sekali
5. Presstissimo : secepat-cepatnya
6. Vivase : cepat dan girang
B. TANDA TEMPO SEDANG
1. Moderato : sedang
2. Allegro moderato : cepatnya sedang
3. Andante : perlahan-lahan
4. Andantino : kurang cepat
C. TANDA TEMPO LAMBAT
1. Largo : lambat
2. Largissimo : lebih lambat
3. Largeto : agak lambat
4. Adagio : sangat lambat penuh perasaan
5. Grave : sangat lambat sedih
6. Lento : sangat lambat berhubung-hubungan.
PERMATA / CORONA adalah tanda untuk menambah hitungan menurut selera.
Moga berguna.

Gw pikir lebih tepat bila kita mengatakannya seni bukan teknik, karena kata teknik lebih tepat mengacu pada benda mati :)

Berikut gw jabarkan apa yg gw ketahui mengenai seni dasar vokal, semoga berguna bagi yg membutuhkan,, dan berguna bagi gw bila kalian yg lebih mengerti mengoreksinya ;)


Pertama-tama, hal yg paling penting dalam seni vokal menurut 'mereka' adalah pernafasan..Pernafasan saaat bernyanyi dengan pernafasan biasa tentu jauh berbeda..Bagi yg tidak biasa bernyanyi, mungkin rasa 'ngos-ngosan' bila bernyanyi..

Prinsip pernafasan saat bernyanyi adalah menghirup udara secepat dan sedalam mungkin, lalu mengeluarkannya sehemat mungkin dan lama..

Bahkan kita tak perlu menghirup nafas! kita hanya perlu mengembangkan rongga dada, dan kemudian udara otomatis akan terisi.. Jadi tak perlu ada suara2 yg mengganggu di microphone saat kita bernyanyi..

Pernafasan di bagi menjadi tiga garis besar, yaitu: pernafasan dada, diafragma dan perut.. ada sedikit kontradiksi di sini.. sebagian orang ada yg bilang pernafasan perut yg bagus dalam bernyanyi, ada jg yg bilang pernafasan diafragma.. Namun gw mengatakan pernafasan perut itu melelahkan, dan pernafasan diafragma itu lebih menyimpan banyak udara..

Bagaimana cara bernafasnya?! Silahkan lihat2 lagi mengenai pernafasan diafragma yg sudah banyak di ulas di postingan2 klinik vokal :D

--------------------------------------------------------------------------

Sikap Tubuh

Bagian selanjutnya adalah mengenai sikap tubuh secara keseluruhan ketika bernyanyi, walau bukan bagian yg terpenting, namun mau-tidak-mau hal ini turut berpengaruh terhadap performa vokal kita..

badan kita mesti tegap, rileks, dan fleksibel.. Bahu jangan di angkat selama bernafas mungkin selama bernyanyi, terutama saat menarik nafas.. dada diperlebar cenderung di majukan ke depan.. kaki agak di jarangkan, agar bisa berdiri seimbang..

Bentuk Mulut

Mulut usahakan agar terbuka lebar bagi pemula, agar resonansi udara dalam berjalan dengan baik.. resonansi dada berguna dalam mengambil nada2 rendah, hidung untuk nada2 tinggi, tenggorokan untuk suara yg jernih (namun jangan menumpukan suara pada tenggorokan, karena akan mengakibatkan kita kelelahan tenggorokannya), dan terakhir kepala bila hendak mengambil nada2 amat tinggi..

Lidah di datar kan selama bernyanyi, dan ujungnya menyentuh bagian belakang gigi seri bawah kita.. Lidah harus se rileks mungkin, karena buat gw pribadi, ini yg sering gw perhatikan dan menjadi yg sulit bagi pemula termasuk gw dulu Rongga mulut seperti kita menguap, jadi prinsipnya agar ruang keluar udara dapat menjadi lebar..

Lebarkan mulut saat bernyanyi dengan nada rendah, karena hal itu dapat membantu..Perhatikan juga bagian atas rongga mulut, usahakan agar selebar dan seluas mungkin, sekali lagi seperti kita menguap..

Ukuran lebar bibir adalah 3 jari (coba masukkan 3 jari ke mulut lo, itulah ukuran minimalnya) Lebarkan mulut ke samping bila hendak mengambil nada2 rendah, gw rasa itu membantu..

Outward Support

ini cukup vital utk bernyanyi, karena kita membutuhkan support untuk mengeluarkan nada agar lebih gress dan pitch nya terjaga (sebenarnya gw sulit menguraikannya dengan kata2 :D )

Sebagai contoh, lihat Hany (kalo ga salah namanya itu: cowo loh) Indo Idol,, itulah contoh vokalis yg sama sekali tidak menggunakan outward support

bagaimana caranya?? kencangkan bagian samping bawah tulang rusuk.. coba katakan "HISSSSS... " taruh tangan di bawah samping rusuk dan rasakan bagian itu mengencang.. NAH!! tahan terus selama bernyanyi (fleksibel aja se)

Eric Martin adalah contoh vokalis yg bagus dalam penggunaan teknik itu.. dalam setiap lagu2nya, baik itu keras-tinggi maupun slow dia selalu menggunakannya.. (kalo lo nyanyiin ga pake outward support,maka garing bgt suara lo! jauh beda sm Eric Martin aslinya! :D )

Kadang agar bisa memainkan dinamika gw sering memainkan perut gw! :D betul ga seh??

yupz, sekian aja kali yah hal yg esensialnya! semoga berguna

BELAJAR TENTANG REKAMAN,ARANSEMEN,KONSEP TATA SUARA UNTUK INDUSTRI REKAMAN

FuiihFuiih… ternyata ada yang kasih attensi buat tulisanku.. thanks guys… nih bagian keduanya..
bagian pertama masih tentang persiapan… Nah setelah semua persiapan untuk rekaman cukup … next adalah bagaimana bisa melakukan perekaman dengan benar… berarti musti tahu hak dan kewajiban dulu doong… ya kan?
Hak dari Band atas studio rekaman..
1. Band adalah konsumen bagi sebuah studio rekaman… nah ada beberapa term yang harus di ketahui tentang hak-hak dari band.. yang pertama adalah hak untuk menggunakan studio beserta peralatan yang ada di dalamnya.
2. Mendapatkan pelayanan yang layak dan sesuai kemampuan terbaik dari studio yang di pakai.
3. Mendapatkan informasi yang jelas tentang bagaimana menggunakan peralatan yang tersedia di studio dengan maximal.
4. menerima hasil berupa cd audio atau data project.
Kewajiban Band
1. Yang jelas musti bayar shift atau overtime studio yang di gunakan.. hehehe
2. Bagaimanapun ini adalah fasilitas rekaman. jadi apa yang akan direkam, peralatan tersedia apa yang akan dipasang menjadi tanggung jawab band.. (meskipun biasanya asistensi dari operator diperlukan).
3. Arransemen, dan tatasuara mestinya menjadi tanggung jawab band atau produsernya (kalo di major label ada unsur2 Music Director atau pengarah lagu)
4. Datang sesuai jadwal dan mengikuti aturan main dari studio yang digunakan.
Nah ada beberapa poin yang agak sulit di lakukan saat kita masih pemula… Ketidak tahuan akan hak dan kewajiban membuat si group band akhirnya tidak mengerti apa yang harus dilakukan dan cenderung menurut saja apa yang diktakan operator rekaman. Hmmm.. sebenarnya gak salah juga menerima saran dari operator… tapi dari sudut pandangku kalo keterlibatan sang operator terlalu dalam bisa menghilangkan karakter asli si group band… apalagi kalo udah masuk ke unsur arransemen.. jadi buat group band jangan terlalu exploring dengan musik kalian .. bisa-bisa malah jadi salah kaprah..hehehe
kadang juga terasa aneh saat seorang operator berubah fungsi jadi pengarah lagu.. heheh mestinya dibayar double dong..heheh.. mungkin karena rasa tanggung jawab atas pekerjaan kadang membuat operator sering kebablasan.. heheh.. tapi kasian juga grupband saat musti nurutin kemauan sang pengarah lagu jadi-jadian ini hihihi.. udah bayar, salah dimarah-marahin.. disuruh nurutin kemauan si operator… hmmpffh!!!
Jadi penting banget kan sebuah persiapan…
OK! Next.. apa yang musti dilakukan pas masuk studio..
Enter the Studio.. heheh ada tahapan atau urutan rekaman yang biasanya dilakukan saat merekam musik…
first tentu mempersiapkan peralatan yang akan ditambahkan pada drum… bisa dilakukan saat session ambil guide
Bikin guide-adalah langkah paling awal… supaya tidak membuang banyak waktu karena bikin guide itu mestinya udah masuk ke jam aktif proses recording… (jadi salah pengrtian, kalo bikin guide itu gratis… karena tanpa guide sebuah proses record ngga akan bisa jalan) baik sekali bila di saat latihan udah pernah dicoba seberapa cepat tempo lagu yang akan dimainkan (untuk player pro hal ini ngga begitu masalah). Fungsi guide adalah untuk acuan take drum dan seterusnya… bisa berupa gitar dan vokal atau bass atau kibor. tetapi dua dari elemen2 itu saja sudah cukup salah satunya tentu vokal.
Take drum-adalah tahap kedua dari proses rekaman… dan merupakan hidup mati dari karya yang akan jadi nyata hehehe… karena tiap pukulan yang sesuai ketukan dan dinamiknya akan jadi soul dari musik yang akan dibangun. Hal yang paling diperhatikan adalah keselarasan dengan metronom dan kejelasan bunyi tiap instrumen spt kick, tom, snare, dst.. yang perlu di perhatikan adalah BUNYI YANG CLEAR DAN RAPI.. jadi bila mau memakai trik yang sulit, PASTIKAN KAMU MELAKUKANNYA DENGN BENAR. kesulitan biasanya pada konstan beat atau fill yang tricky(spt double kick atau bunyi2 flam pada snar atau tom). Ingat bahwa Drum adalah Pondasi utama dari sebuah karya musik band.
Take Bass- Bass dasarnya adalah fungsi sustain dari kick drum. jadi harus bener2 klop dengan tiap bunyi kick yang dimainkan drummer. semakin sulit trick sang drummer semakin sulit pula bass dimainkan, pilihlah permainan bass yang bisa mengcounter drum… artinya harus ada komunikasi dan pengertian antara si bassist dan drummer… mutlak!!!
Pad atau rythm-bunyi bunyi bersustain biasanya diambil sebelum bunyi bunyi bernotasi melody..wellkebanyakan nggak harus gitar dulu yang sering lebih bersifat ritmis atau kibor yang lebih bersifat sustain .. pertimbangkan mana yang lebih dominan terhadap musik yang sedang digarap.
Take gitar- yang terpenting dalam take gitar adalah tunning yang benar dan tidak menggunakan delay atau reverb pada saat take blok, melody atau fill, karena hal itu bisa merusak komposisi tata suara… hasil mix akan jauh lebih baik saat delay atau reverb di olah di komputer dengan plug in… kecuali memang sudah ada persetujuan pada awalnya (biasanya untuk player2 profesional). setiap pukulan pada string gitar harus bisa mengeluarkan tone posisi kord yang di pegang.diskusikan sound dengan operator tentang frekwensi yang baik untuk sound gitar yang tersedia. mainkan pukulan ritmik atau petikan dengan porsi yang baik sehigga tak menimbulkan bunyi-bunyian yang tak di kehendaki.
Take kibor-Kibor punya tunning standar internasional jadi yang terpenting adalah memilih pada oktaf yang mana tut akan dimainkan. pilihlah pada oktaf yang tidak bertubrukan frekwensi dengan gitar.
terakhir adalah Vokal… setelah memasukkan semua instrument yang di butuhkan maka yang terakhir kali di ambil adalah vokal.. yang perlu diperhatikan adalah tentu saja tidak fals.. bisa mengeluarkan soul dari lagu, dan berani dalam menghadapi kesulitan… nggak lembek gitu!
heee tau-tau kok udah selese ya rekamannnya… Inget yang penting jadi diri sendiri… jangan menembak sound atau permainan orang lain..

SEJARAH KEYBOARD

Sejak kapan keyboard ada dan digunakan orang? Bagaimana asal mulanya? Kalau dilihat dari susunannya keyboard ini mengikuti logika dari kiri nada-nada rendah ke kanan nada-nada tinggi. Susunan kiri kanan untuk bass ke treble ini berlaku untuk segala jenis keyboard yang umumnya adalah piano, organ, harpsiscord dan para pemusik sendiri lebih suka untuk mengelompokkan nya dalam caranya menghasilkan suara.

Ada chordophone di mana dawai-dawai diketuk hingga bergetar dan menimbulkan suara. Ini masuk dalam kelompok piano. Kemudian aerophone di mana tabung-tabung dilewati udara yang getarannya menghasilkan suara. Di dalamnya adalah kelompok organ. Terakhir adalah electrophone di mana gelombang listrik digetarkan untuk menghasilkan suara. Instrumen piano elektrik, organ elektrik merupakan contoh. Kelompok terakhir ini berkembang sangat pesat. Instrumen electrophone ini sekarang bisa menghasilkan semua kualitas suara saudara tuanya. Mulai dari piano hingga organ bisa dihasilkan oleh keyboard elektronik disebut synthesizer. Instrumen ini sudah ada sejak jaman kuno.

Di dalam tangga nada Barat yang disebut diatonis, tonal terbagi dalam 12 penuh dan ada nada semi-tone. Kedua kelompok nada ini biasa dibedakan dengan kunci berwarna terang dan untuk semi-tone.
Susunan deret kunci yang chromatic. Pada awal kemunculannya bilah-bilah masih dalam ukuran sangat lebar. Satu bilah bisa beberapa sentimeter lebarnya hingga tidak banyak nada harmoni bisa dihasilkan. Baru pada abad ke-16 lamanya, muncul pembakuan lebar bilah. Satu oktaf bilah dibuat totalnya selebar 16 sentimeter. Ini artinya nada diatonik bisa dicakup dalam lebar satu tangan hingga musik harmonik bisa dihasilkan.

Pada perkembangannya inovasi kunci putih dan hitam diciptakan. Diciptakan juga instrumen musik berdawai dengan dibunyikan melalui petikan, munculah harpsichord. Harpsichord ini terus berkembang pada Suatu teknik membunyikan dawai kembali dikembangkan dengan alat pukul kecil yang bekerja. Akibatnya pukulan pada bilah kunci bisa dilakukan pelan dan keras. Pelan dalam bahasa Italia adalah piano dan keras adalah forte. Instrumen inovasi baru itu sangat populer karena volume nada bisa diatur dengan keras lemahnya
memanipulasi papan kunci. Nama alat itu pun menjadi pianoforte. Lama kelamaan diringkas menjadi piano. Instrumen keyboard ini yang memungkinkan berkembangnya musik barat dengan spektrum harmoni yang bisa dikatakan tidak tertandingi oleh aliran musik lain di bumi ini. Komposisi orkes simponi berasal dari kemampuan piano menghasilkan nada-nada harmonik.

Keyboard elektronik baru muncul pada abad ke-20. Dipasarkan pertama kali oleh Laurens Hammond. Instrumen yang sekarang ini menjadi rajanya alat musik.
Suara orkes simponi pun dengan puluhan instrumen bisa dihasilkan oleh satu keyboard saja.
Munculnya transistor silikon dengan harga yang murah dan kualitas atas memudahkan upaya para insinyur untuk mengembangkan instrumen musik penghasil suara. Alat yang ringkas dan dapat menghasilkan suara konvensional seperti suara akustik sebagaimana yang dihasilkan dawai, gendang, atau alat tiup, maupun suara yang tidak lazim seperti suara atonal semacam derit antar logam.

Pada tahun 1962 Paolo Ketoff mengeluarkan instrumen yang disebut Synket.
Alat ini menghasilkan musik eksperimental yang bagi pendengar awam tidak musikal.
Dua tahun kemudian di Amerika muncul alat musik yang diciptakan Donald Buchla dan satunya oleh Robert
Moog. Alat Donald Buchla tidak menggunakan keyboard sebagai perangkat memainkannya melainkan dengan permukaan yang sensitif terhadap sentuhan. Robert Moog membuat alat yang menggunakan keyboard sebagai perangkat pengolahnya. Di sisinya pun dipasang alat pengontrol yang konvensional seperti tombol putar untuk mengeraskan dan memelainkan suara, maupun untuk mengatur tinggi rendahnya nada yang dihasilkan. Ciptaan Robert Moog ini lebih memudahkan penggunaannya untuk mengalunkan musik tradisional dalam tatanan suara baru. Karya-karya Johan Sebastian Bach bisa dimainkan dengan Mini Moog, begitu alatnya Ketika itu alat ini belum bisa memainkan nada harmonik. Hanya satu-satu nada bisa dimainkan,
hingga instrumen ini populer sebagai pembawa melodi pada musik pop.
Musik rock termasuk yang pertama mengadopsi alat ini dalam genre progresive rock pada band seperti Yes, Genesis, Emerson Lake and Palmer.

Synthesizer dapat mengeluarkan suara harmonik. Peralatan pertama yang terkenal adalah yang keluar 1983.
menggunakan pengembangan synthesizer dari zaman Robert Moog dengan Frequenty Modulation Synthesis yang dirancang oleh John Chowning dari Stanford University di Palo Alto, California. FM menghasilkan variasi timbre dengan cara mengubah frekuensi suatu gelombang dengan amplitudo gelombang lain yang proposional. Yamaha DX-7, perangkat ini dijual Yamaha. Kemudian pada tahun berikutnya Casio mengeluarkan yang menggunakan baterai untuk tenaganya. Memiliki empat suara dan mengikuti kemampuan synthesizer analog. Harga jual CZ-101 seperempat dari harga Yamaha DX-7 keyboard elektronik menjadi sangat meningkat. Suara-suara bisa direkam. Hasil rekaman ini berupa gelombang nada yang diterjemahkan sebagai data digital. Data digital ini bisa diolah dan dibunyikan ulang dengan kontrol musikal. Ini yang disebut sampling instrument. Sampling ini telah menjadi bagian yang umum dalam instrumen keyboard elektronik.
Sampling pertama dikeluarkan pada tahun 1970 Fairlight Computer Musical Instrumen (CMI) di Sydney, Australia. Fairlight CMI adalah perangkat komputer umum dengan tambahan perangkat yang dapat merekam dan mengubahnya jadi data digital (digitize), kemudian menyimpan dan memainkan ulang pada Kemampuan simpan dan memainkan ulang ini dikembangkan oleh Raymond Kurzweil pada tahun 1984 melalui perangkat yang disebut Kurzweil 250. Pada keyboardnya itu terdapat kode-kode digital dari suara grand piano, alat
musik gesek (string), dan banyak lagi timbre alat musik orkestra. Alat ini selain ditujukan untuk penggunaan pertunjukan juga ditujukan untuk membuat komposisi.

Keyboard yang berkembang dengan kemampuan synthesizer polifoni dan sampling disebut beberapa manufaktur instrumen musik bersepakat untuk tata cara menggabungkan berbagai peralatan musik agar bisa bekerja dalam suatu perangkat Hasilnya adalah Musical Instrument Digital Interface atau MIDI.
MIDI menjadi cara untuk memerintahkan nada apa yang dimainkan dalam timbre apa, nuansa apa, dan seterusnya.

Dengan perangkat komputer dan program yang sesuai maka dapat dilakukan seperti apa yang bisa dikerjakan pada workstation musikal yang canggih. Sekarang ini dunia pertunjukan musik selalu menyertakan instrumen simple 'Keyboard'.

Instrumen Keyboard sudah ada sejak zaman kuno. Tidak jelas awalnya yang tepat. Dalam tangga nada barat disebut diatonis, dan terbagi dalam 12 nada. Ada nada penuh dan ada nada semi-tone. Pada instrumen Keyboard, kedua kelompok nada ini biasa dibedakan dengan kunci berwarna terang dan gelap.

Susunan deret kunci yang kromatik (mencakup 12 nada) muncul di Eropa pada abad ke-14. Pada awal kemunculannya, bilah-bilah (tutsnya) masih dalam ukuran sangat lebar. Satu bilah bisa beberapa sentimeter lebarnya, hingga tidak banyak nada harmoni yang bisa dihasilkan. Baru pada abad ke-16, muncul pembakuan tuts. Ini berarti nada diatonik bisa dicakup dalam lebar satu tangan, hingga musik harmonik pun bisa dihasilkan. Pada perkembangan baru ini, kunci putih dan hitam juga sudah diciptakan.

Keyboard elektronik baru muncul pada abad ke-20. Pertama kali dipasarkan oleh Laurens Hammond di Amerika Serikat pada tahun 1935. Sejak saat itu mulai berkembang instrumen yang sekarang ini menjadi rajanya alat musik. Suara orkes simponi pun dengan puluhan instrumen bisa dihasilkan oleh satu buah Keyboard saja.

Era Synthesizer
Munculnya transistor silikon dengan harga yang murah dan kualitas atas memudahkan upaya para insinyur untuk mengembangkan instrumen musik penghasil suara. Alat yang ringkas dan dapat menghasilkan suara konvensional seperti suara akustik sebagaimana yang dihasilkan dawai, gendang, atau alat tiup, maupun suara yang tidak lazim seperti suara atonal semacam derit antar logam.

Pada tahun 1962 seorang insinyur Italia Paolo Ketoff mengeluarkan instrumen yang disebut Synket. Alat ini menghasilkan musik eksperimental yang bagi pendengar awam tidak musikal. Dua tahun kemudian di Amerika muncul alat musik yang diciptakan Donald Buchla dan satunya oleh Robert Moog. Alat Donald Buchla tidak menggunakan kibor sebagai perangkat memainkannya melainkan dengan permukaan yang sensitif terhadap sentuhan. Robert Moog membuat alat yang menggunakan kibor sebagai perangkat pengolahnya. Di sisinya pun dipasang alat pengontrol yang konvensional seperti tombol putar untuk mengeraskan dan memelainkan suara, maupun untuk mengatur tinggi rendahnya nada yang dihasilkan.

Ciptaan Robert Moog ini lebih memudahkan penggunaannya untuk mengalunkan musik tradisional dalam tatanan suara baru. Karya-karya Johan Sebastian Bach bisa dimainkan dengan Mini Moog, begitu alatnya disebut. Ketika itu alat ini belum bisa memainkan nada harmonik. Hanya satu-satu nada bisa dimainkan, hingga instrumen ini populer sebagai pembawa melodi pada musik pop. Musik rock termasuk yang pertama mengadopsi alat ini dalam genre progresive rock pada band seperti Yes, Genesis, Emerson Lake and Palmer.

Era Digital
Baru pada tahun 1980 synthesizer dapat mengeluarkan suara harmonik. Peralatan pertama yang terkenal adalah Yamaha DX-7 yang keluar 1983. Peralatan ini menggunakan pengembangan synthesizer dari zaman Robert Moog dengan Frequenty Modulation Synthesis yang dirancang oleh John Chowning dari Stanford University di Palo Alto, California. FM menghasilkan variasi timbre dengan cara mengubah frekuensi suatu gelombang dengan amplitudo gelombang lain yang proposional. Yamaha DX-7 memiliki kibor lima oktaf. Lebih dari 100.000 perangkat ini dijual Yamaha.

Kemudian pada tahun berikutnya Casio mengeluarkan CZ-101 yang menggunakan baterai untuk tenaganya. Memiliki empat suara dan mengikuti kemampuan synthesizer analog. Harga jual CZ-101 ini hanya seperempat dari harga Yamaha DX-7 hingga popularitas kibor elektronik menjadi sangat meningkat.
Suara-suara bisa direkam. Hasil rekaman ini berupa gelombang nada yang diterjemahkan sebagai data digital. Data digital ini bisa diolah dan dibunyikan ulang dengan kontrol musikal. Ini yang disebut sampling instrument. Sampling ini telah menjadi bagian yang umum dalam instrumen kibor elektronik.

Sampling pertama dikeluarkan pada tahun 1970 oleh Fairlight Computer Musical Instrumen (CMI) di Sydney, Australia. Fairlight CMI adalah perangkat komputer umum dengan tambahan perangkat yang dapat merekam dan mengubahnya jadi data digital (digitize), kemudian menyimpan dan memainkan ulang pada instrumen kibor.

Kemampuan simpan dan memainkan ulang ini dikembangkan oleh Raymond Kurzweil pada tahun 1984 melalui perangkat yang disebut Kurzweil 250. Pada kibornya itu terdapat kode-kode digital dari suara grand piano, alat musik gesek (string), dan banyak lagi timbre alat musik orkestra. Alat ini selain ditujukan untuk penggunaan pertunjukan juga ditujukan untuk membuat komposisi. Kibor yang berkembang dengan kemampuan synthesizer polifoni dan sampling disebut workstation musikal.

Pada tahun 1983 beberapa manufaktur instrumen musik bersepakat untuk tata cara menggabungkan berbagai peralatan musik agar bisa bekerja dalam suatu perangkat komputer. Hasilnya adalah Musical Instrument Digital Interface atau MIDI.

MIDI menjadi cara untuk memerintahkan nada apa yang dimainkan dalam timbre apa, nuansa apa, dan seterusnya. Dengan perangkat komputer dan program yang sesuai maka dapat dilakukan seperti apa yang bisa dikerjakan pada workstation musikal yang canggih. Sekarang ini dunia pertunjukan musik selalu menyertakan instrumen ringkas kibor elektronik seperti ini.

Dan di Era Digital ini, dibanyak tempat pertunjukan sekarang ini, sangat tidak aneh melihat seorang pemain Keyboard solo yang memainkan musik lengkap seperti sebuah band sedang bermain. Ada suara melodi gitar, pengiring piano, suara gitar bas dan derap drum. Inilah Keyboard yang dinamakan multifungsi.

Alat musik Keyboard yang didukung kelengkapan teknologi suara digital memang semakin dicari orang. Apalagi, instrumen dengan sederetan tuts itu kini bisa ditugaskan berlipat ganda. Keyboard dapat mewakili berbagai suara alat musik yang lain. Bakat bermusik bisa lebih ditunjang oleh perangkat yang multifungsi, yakni keyboard. Maka jangan heran bila yang berbelanja instrumen musik serbaguna tidak hanya dilakukan oleh para pekerja musik. Ini dikarenakan hampir setiap orang ingin menghasilkan musik yang indah atau enak didengar. [berbagai sumber]

SEJARAH GITAR AKUSTIK

Gitar adalah suatu alat musik tradisional Spanyol sehingga dipercaya bahwa alat musik petik ini berasal dari spanyol. Tapi ada juga yang mengatakan bahwa sejarah gitar dimulai jauh sebelum Masehi yaitu pada jaman Babilonia. Pada awalnya alat musik ini bentuknya kecil dan memiliki empat dawai yang masing – masing berpasangan.
Selama jaman Renaissance, alat musik gitar tidak populer dan tidak diminati masyarakat. Namun setelah Alonso Mudarra mulai memperkenalkan alat musik ini melalui karya-karyanya maka dengan segera orang-orang mulai tertarik untuk mendengarkan dan memainkan gitar. Dan pada saat itu gitar mulai populer dikalangan masyarakat.

Pada abad 17 atau periode Baroque dawai (string) gitar ditambahkan menjadi lima yang masing-masing berpasangan, ini memungkinkan para pemain memainkan musik yang lebih kompleks dan luas.


Quote:
Pada akhir abad 17 dua perubahan penting dibuat pada alat musik ini yaitu:

1. Sebelumnya tiap-tiap dawai berpasangan (ganda) maka sekarang digantikan oleh senar tunggal.
2. Sebelumnya memiliki lima senar maka sekarang ditambahkan menjadi 6 senar tunggal yang dipakai hingga hari ini.
Periode klasik sekitar tahun 1750-1775 banyak melahirkan komposer-komposer gitar terkenal diantaranya Fernando Sor, Mauro Giuliani, Matteo Carcassi, D. Aguado dan Fernando Carulli. Mereka menulis musik dan sering mengadakan konser-konser gitar di berbagai tempat. Pada saat itu alat musik gitar sangat populer dan diminati banyak orang.
Selain itu ada juga Nicolo Paganini yang selain pemain biola terkenal juga pemain gitar yang karya-karyanya masih sering didengar sampai sekarang.
Pada akhir abad 19 instrumen gitar mengalami penurunan dan banyak orang tidak mengenal alat musik ini, tapi kemudian di populerkan kembali oleh Francisco Tarrega yang adalah komposer besar gitar klasik. Banyak karya-karya musiknya menjadi sangat terkenal antara lain: Recuerdos de la Alhambra, Estudio Brillante, Capricho Arabe dan masih banyak lagi.

Ia juga banyak menulis dan menyusun suatu metode/sistem untuk pengajaran gitar dan metode pengajarannya ini menjadi standar pengajaran pada pelajaran gitar klasik sampai sekarang. Ia juga banyak mengajar dan tidak sedikit dari muridnya yang menjadi komposer besar seperti dirinya diantaranya adalah Miguel Liobet.
Di samping komposer-komposer gitar ada juga seorang desainer gitar yang berjasa dalam perkembangan alat musik ini yaitu Luthier Antonio Torres. Ia mencoba menambah ukuran gitar dan mencoba meningkatkan bunyi gitar agar lebih keras dan selaras.

Ia banyak menyempurnakan bentuk gitar, dia membuat leher gitar lebih lebar dan lebih tipis dari pada bentuk gitar sebelumnya. Ia juga membuat standar dawai gitar dengan ukuran panjang 65 cm yang sampai sekarang masih di pakai. Dari hasil eksperimennya ini maka gitar yang dibuatnya ini merupakan standar gitar modern yang dipakai sampai sekarang. Selain Torres, sebelumnya juga ada seorang yang bernama stradivarius yang selain terkenal membuat biola juga mahir membuat gitar.
Pada tahun 1946 dawai/senar gitar yang sebelumnya terbuat dari Gut (tali yang terbuat dari usus binatang) digantikan dengan dawai yang terbuat dari nylon (string nylon). Dengan memakai string nylon maka suara yang dihasilkan lebih besar dan lebih bagus.

Alat musik gitar terus berkembang sampai sekarang dan sudah menjadi instrumen dunia. Jumlah para pemain, pengajar, komposer, dan pembuat gitar saat ini sangat banyak, sekolah-sekolah dan tempat kursus gitar juga mudah ditemui disetiap tempat bahkan sekarang juga terdapat majalah-majalah yang khusus membahas tentang gitar. Karena perkembangan ilmu dan teknologi begitu pesat, instrumen gitar juga terkena imbasnya dan sekarang kita telah mengenal yang namanya Gitar Listrik (Electric Guitar).

SEJARAH GITAR LISTRIK

Sekedar berbagi pengetahuan, benda yg satu ini sangat membantu dlm dunia entertainment terutama dlm dunia musik. Apakah anda pernah tau, sejarah dari gitar listrik? berikut informasi yg dapat saya share kepada anda tentang sejarah gitar listrik.

Sejarah gitar listrik bermula pada tahun 1930, ketika seorang yang bernama George Beauchamp mulai mencari cara untuk menambah volume gitar. Diketahui jika suatu kawat di beri gaya medan magnet maka dapat menciptakan arus listrik. Atas dasar pemikiran ini Ia meneliti dan mengadakan suatu percobaan dengan jarum Gramopon (pada dasarnya teknologi ini bisa didapati pada motor-motor listrik, generator, jarum gramopon, radio dan mic). Ia percaya bahwa jika dawai gitar digetarkan dekat medan magnet akan bisa diubah menjadi arus-arus listrik dan kemudian dikonversi kembali menjadi gelombang suara melalui speaker.
Setelah percobaan berbulan-bulan dan bekerja sama dengan Paul Barth maka terciptalah pickup pertama yang sederhana terdiri dari 6 kutub dan tiap-tiap kutub untuk masing-masing dawai. Pickup berisi kumparan yang digulung rapi. Menurut ceritanya, Ia mengambil kumparan itu dari mesin cuci dan melilitnya kembali dengan motor mesin jahit. Penemuannya ini sangat dihargai dan mendapatkan hak paten.

Dengan penemuannya ini maka langkah selanjutnya Ia mencari orang yang mau bekerja sama dan membantunya dalam soal dana. Ia menghubungi Adolph Rickenbacher temannya dulu di National String Instrument Company tempatnya bekerja. Mereka bekerja sama dan membentuk sebuah perusahaan dengan nama Instrumens Rickenbachers. Akhirnya Mereka mulai memproduksi gitar listrik pertama yang disebut “The Frying Pan” (mungkin karena badan gitarnya terbuat dari panci). Ini yang membuat perusahaan mereka tertulis dalam sejarah sebagai pabrik yang pertama membuat dan memproduksi gitar listrik.

Selanjutnya seseorang yang bernama Lloyd Loar memperkenalkan gitar listrik yang modelnya berbentuk gitar Spanyol. Ia dianggap yang pertama kali membuat dan memasarkan gitar model ini. Ia telah banyak melakukan percobaan-percobaan ini mulai awal 1920 dan pada tahun 1933 mendirikan perusahaan dengan nama Vivi-Tone yang merupakan anak perusahaan dari Gibson Company.

Perusahaan ini memproduksi gitar listrik dengan bentuk gitar spanyol tapi dalam satu tahun perusahaan ini tidak berhasil. Dari kegagalan ini, akhirnya mengilhami Gibson Company untuk mencoba melanjutkan menciptakan gitar listrik. Dari usaha-usaha yang dilakukan maka terciptalah gitar listrik ES-150 yang nantinya menjadi perintis gitar-gitar listrik selanjutnya.

Sejarah gitar listrik berlanjut pada tahun 1933 pada saat Alvino Rey yang juga bekerja pada Gibson Company mengembangkan Pickup gitar listrik yang lebih baik selain kualitas suara bentuknya juga diubah.
Di balik Kesuksesan ES-150 masih didapati banyak kekurangan, karena badan gitar yang berongga maka getaran dari badan gitar juga ditangkap pickup sehingga ikut terdengar pada amplifier. Selain itu sering terjadi feedback dan suara-suara yang tak diinginkan. Karena itu seorang gitaris jazz terkenal Les Paul memperkenalkan solusi baru untuk membuat badan gitar padat dan tak berongga.

Pada akhirnya Ia sukses membuat gitar badan padat dan menghasilkan suara yang bagus tanpa feedback atau suara-suara yang tidak dikehendaki. Selain itu Ia menambahkan pickup pada badan gitarnya menjadi dua. Pada tahun 1946 Ia membawa gitarnya ini ke Gibson tetapi ditolak dengan alasan konsumen kurang tertarik dengan gitar badan padat. Ia merasa kecewa karena usaha yang ia rintis akhirnya gagal.

Tidak lama kemudian seorang yang bernama Leo Fender percaya bahwa gitar yang dibuat oleh Les paul dengan gitar badan padatnya akan banyak diminati oleh para konsumen. Akhirnya pada tahun 1943 ia membuat gitar badan padat yang terbuat dari kayu pohon Ek dan menyewakannya kepada para musisi agar mendapat banyak dukungan. Akhirnya pada tahun 1949 Leo Fender mendapatkan kesuksesannya dengan model gitar badan padatnya dan mendapatkan penghargaan.

Melihat kesuksesan Leo Fender dengan gitar badan padatnya maka Gibson Company Akhirnya kembali melihat contoh gitar Les Paul dan mendisainnya ulang. Pada tahun 1952 diputuskan untuk memproduksi gitar badan padat dan menjadi suatu standar industri. Walaupun inspirasinya datang dari Les Paul gitar Gibson yang sekarang kita kenal dinamai menurut nama perusahaannya.

Pada tahun 1961 Ted McCarty memperkenalkan ES-335 suatu gitar semi-hollow yaitu gabungan antara gitar berongga dan gitar badan padat. Dengan cepat gitar ini menjadi populer digunakan para gitaris-gitaris jazz diantaranya adalah BB King dan Chuck Berry.

Gibson dan Fender adalah perusahaan pembuat gitar yang telah berjasa mengembangkan instrumen ini khususnya gitar listrik dengan disain-disain yang futuristik. Keduanya sudah menjadi standar gitar bagi para musisi, seperti sekarang kita mengenal Gibson SG atau Fender Stratocaster.Setelah kedua perusahaan tersebut telah berhasil mengembangkan gitar listrik, maka mulailah banyak bermunculan perusahaan-perusahaan lain yang memproduksi gitar listrik sampai sekarang.

PENYEBAB KEGAGALAN GROUP BAND

PENYEBAB KEGAGALAN GROUP BAND
1. Mereka tidak memiliki tujuan
Jika Anda tidak memiliki tujuan dalam mengembangkan karier, bagaimana Anda bisa mendeteksi sebuah kemajuan? Bisnis musik adalah bisnis yang keras, apalagi jika Anda tidak memiliki panduan yang jelas.
2. Mereka tidak memiliki perangkat
menuju kesuksesan
Berlawanan dengan kepercayaan orang banyak, sebenarnya memang ada sebuah “proses” untuk menjadi musisi professional dan mendapatkan sebuah kontrak rekaman. Industri musik dipenuhi dengan rumor, mitos dan misinformasi yang membuatnya sulit untuk menggoreskan kesuksesan di atasnya. Dengan memahami bagaimana industri musik ini bekerja tentunya dapat menjadi asset yang sangat berharga.
PRESS KIT/PROMO PACK
• Sebuah demo kaset/CD yang berisikan 3-5 lagu TERBAIK band Anda. (Kualitas jelas berpengaruh!)
• Biografi artis. (Informasi penting tentang sang artis, termasuk siapa saja mereka, apa yang mereka lakukan, apa yang sedang mereka kerjakan, dan sebagainya.)
• Daftar lagu (song list). (Seluruh judul lagu yang dibawakan oleh sang artis, milik sendiri atau cover)
• Lirik-lirik lagu. (materi lirik-lirik lagu milik sang artis yang termuat dalam demo mereka.
• Foto artis.
3. Mereka tidak memiliki seseorang untuk memandu karier
Salah satu tanggungjawab dari manajer personal adalah untuk membantu artis mengambil keputusan yang berhubungan dengan karier musik mereka. Masalahnya, kebanyakan artis biasanya tidak memiliki banyak waktu untuk mencari manajemen yang bagus. Biasanya ini terjadi karena kebanyakan manajer yang professional dan berpengalaman, sibuk sendiri dengan klien mereka masing-masing.
4. Mereka menunggu untuk ditemukan
Jika Anda “menunggu untuk ditemukan,” saya punya satu pertanyaan sederhana…
“APA YANG SEBENARNYA YANG KAMU TUNGGU?”
Ini seperti berkata, “Saya sedang menunggu sukses!” Jelas tidak masuk akal! Apa yang dimaksud oleh musisi-musisi ini ketika mereka bilang tengah menunggu untuk ditemukan sebenarnya adalah: “Saya sudah mentok karena benar-benar nggak tahu harus melakukan apa lagi!” Tidak ada yang perlu ditunggu-tunggu, mulai lakukan sesuatu, SEKARANG! Demand discovery, never wait for it!
5. Mereka kurang berdedikasi
Banyak band yang telah manggung bareng selama lebih dari 10 tahun sebelum akhirnya mendapatkan kontrak rekaman! Itulah dedikasi! Itulah kegigihan! Keuletan seperti itulah yang dapat membawa artis/band ke puncak kesuksesan di bisnis musik. Anda tentu tidak perlu tampil 10 tahun lamanya sebelum “keajaiban” terjadi, namun, bila Anda memiliki dedikasi untuk mengarungi suka- duka dan sukses menghalau segala rintangan yang manghalang, agaknya Anda sudah semakin dekat dengan “keajaiban” tersebut.
6. Mereka benar-benar tidak tahu apa yang harus dilakukan
Oke, berikut ini adalah; “3 Rahasia Besar untuk menjadi Sorang Musisi Profesional dan Mendapatkan Kontrak Rekaman!”
• Asah terus bakat Anda! Latihan, latihan, latihan!
• Didiklah diri Anda dengan berbagai pengetahuan tentang bisnis musik! Jangan sekali-sekali beranggapan kalau Anda mengerti semuanya, cari tahu! Jika Anda berfikir akan tahu dengan sendirinya nanti. Anda benar, memang begitu, tapi ini terjadi setelah Anda tersandung dan jatuh berkali-kali. Jauh lebih pelik dari yang Anda bayangkan! Memang asyik-asyik saja belajar sambil mempraktekannya, tapi jangan sampai belajar dari kesalahan yang terjadi berkali-kali, dong! Ini sangat memakan waktu dan sangat menyakitkan bagi diri Anda sendiri tentunya. Carilah fakta-fakta dan pelajari bisnis ini dengan cara yang benar!
• Promosi, promosi, promosi! Mungkin Anda adalah musisi terhebat atau penyanyi paling sensasional yang pernah ada di planet ini, tapi kalau tanpa di dukung promosi, siapa yang tahu?
7. Mereka lebih banyak punya alasan mengapa mereka tidak bisa dibandingkan mereka bisa!
Banyak musisi yang belum apa-apa sudah memasang banyak penghalang di benak mereka. Hal ini malah membuat mereka jauh dari kesuksesan. Jangan biarkan kekurangan PD merongrong bakat atau karier musik yang telah Anda impi-impikan sejak lama. Ego yang sehat malah dibutuhkan dalam bisnis musik. (seorang ego-maniak tidak mendapat tempat di sini!)
8. Mereka tidak memiliki komitmen jangka panjang
Jika Anda tidak jujur melihat diri Anda sendiri sebagai seorang musisi lebih dari 6 bulan sampai satu atau dua tahun, maka Anda sedang melalui sebuah fase yang bagi kita musisi “beneran” selalu berharap agar Anda MENGHILANG secepatnya! Menjadi seorang musisi adalah kerja keras seumur hidup, bukannya iseng-iseng! Musisi-musisi yang sukses di industri musik tidak sekadar memasukkan jempol kaki mereka untuk memeriksa keadaan air, mereka langsung terjun dengan kepala mereka lebih dahulu dan TIDAK pernah melihat ke belakang lagi! Sekali Anda telah menjadi seorang musisi maka seumur hidup Anda akan terus menjadi musisi!
9. Mereka tidak serius
Jika Anda memperlakukan musik hanya sebagai hobi, maka selamanya ia akan seperti itu! Jika Anda tidak menggiring musik dan band Anda menjadi serius, maka tidak seorangpun yang akan mau serius dengan band Anda! Jika tujuan Anda adalah menjadi musisi professional, Anda harus menampilkan diri Anda dan apa yang Anda lakukan secara professional pula!
10. Mereka tidak berbakat sama sekali
Salah satu alasan terbesar mengapa begitu sulit untuk menembus bisnis musik adalah karena bisnis ini merupakan bisnis yang kompleks. Semua orang kebelet menjadi bintang. Apa yang membuatnya semakin sulit ditembus ternyata karena makin banyak lahir musisi jadi-jadian yang merusak kesempatan bagi musisi-musisi berbakat! Label-label rekaman dibombardir dengan demo-demo “sampah” yang sangat jauh dari standar industri musik. Tidak heran makanya demo-demo ini kemudian langsung berakhir di keranjang sampah walau belum sempat dibuka sama sekali! Ini artinya bagi musisi professional, orang tersebut harus menunggu sampai bagian A&R dari label-label rekaman tersebut selesai menyortir satu-persatu ribuan “sampah” tersebut sebelum akhirnya benar-benar dibuka dan disimak oleh mereka.
TIPS MENEMBUS MAYOR LABEL
Rahasia ntuk meraih keberhasilan adalah menemukan role model/model peran, yaitu mencontoh seseorang yang sudah mendapatkan hasil yang Anda inginkan, lalu menggali pengetahuannya.

Pelajari apa yang dilakukannya, apa saja keyakinan intinya dan bagaimana ia berpikir. Anda akan menghemat banyak waktu, sebab Anda tidak perlu repot- repot menciptakan metodanya. Anda cukup menyempurnakannya. Anda tinggal membentuknya ulang, bahkan mungkin bisa menjadikannya lebih baik.

Kami merasa mempunyai kewajiban moral untuk berbagi/sharing pengalaman dengan teman-teman semua. Cukup sudah informasi tentang kord-kords lagu,tips bermain gitar or tips bermain drum yang baik, dsb. Kini kami akan berbagi pengalaman dan Tips agar Band kamu sukses menembus label rekaman.

Sebelum kamu membaca halaman berikutnya. Sekali lagi kami ucapkan selamat, karena kalian telah memutuskan untuk mengambil tindakan pertama untuk melangkah menuju kesuksesan.




INTRO

Apa yang menyebabkan sebuah band bisa mendapatkan kontrak rekaman perusahaan rekaman besar ?
Pertanyaan itu pasti selalu ada di benak semua anak band. Mendapatkan kontrak rekaman adalah sesuatu yang susah-susah gampang. Dibutuhkan bakat, kepandaian dalam memasarkan, dan faktor Luck.Namun kita harus mempunyai keyakinan dan berusaha dengan cara yang tepat. Ibarat Anda bepergian naik taxi namun Anda tidak menginformasikan alamatnya ke sopirnya .Apa yang terjadi? Taxi itu akan berputar-putar saja dan tidak pernah sampai ke alamat yang dituju.

Inti dari cerita itu adalah tetapkan dulu goals atau tujuan band Anda terlebih dahulu secara spesifik.Apakah band Anda hanya ingin jadi band entertaint yang memainkan lagiu top 40 seumur hidup, hanya ingin menjadi band indie lokal, atau pingin menjadi band nasional yang dikontrak major besar besar.
Intinya,Tetapkan dulu tujuan Anda nge-band!!.

Setelah menetapkan tujuan yang jelas, Band kamu harus menaikkkan standar.Anda ingin jadi band dengan kualitas seperti kangen band,wali,dst atau band2 besar Indonesia misal : Slank,Dewa,GIGI.Lebih baik lagi kalau standar Anda band kelas dunia misal : Rolling Stones,U2, dst.Dengan menaikkan standar dan acuan, band Anda akan ter-sugesti untuk menjadi band yang mempunyai standar tinggi.

Setelah goals sudah ditetapkan dan standar sudah dinaikkan, rinci rencana kerja karir band kalian, fokus, dan terus belajar, dan jangan lupa berdoa.Karena diatas semua itu, ada tangan yang Maha Agung yang akan menuntun langkah kita

Tips #1

MEMBENTUK BAND

1. Mencari nama band
Kelihatannya sepele, namun ini hal yang sangat penting. Karena merupakan landasan untuk step berikutnya. Memilih nama band harus sesuai dengan musik yang dibawakan dan imagenya, Cara mencari referensi nama band bisa dilakukan dengan browsing di internet, cari di google dalam bahasa Indonesia saja, supaya tidak rancu dengan band luar negeri atau merk sebuah produk. Atau tanya Tokoh2 Spiritual...he7X..beneran ini ....he7x...karena dalam kenyataannya musisi sekelas ahmad dhani melakukannya.

Tips : - Nama harus mudah diingat
- Nama harus mudah diucapkan dan dieja
- Nama harus mudah dibentuk sebagai logo
- Nama harus mudah untuk dikaitkan dengan filosofi tertentu
- Nama harus tidak bisa / unik

2. Menentukan imej Band
Pengertian imej : imej yang terbentuk dari band merupakan merupakan persepsi yang ditangkap publik saat menerima informasi apapun yang diberikan band tersebut secara terus menerus.

TiPs : - Image bisa ditimbulkan dari
- musik,lirik,
- gaya/penampilan, fashion/kostum,attitude personil
- sampul album, dan desain merchandise,
- opini personil band ketika diwawancarai media cetak/TV.

Tips #2

BERLATIH DAN MENCIPTAKAN LAGU

1. Berlatih band
Berlatihlah secara teratur, karena selain harus bisa menciptakan lagu yang baik band Anda juga harus mampu bermain rapi dan kompak.Untuk mencapainya tidak bisa tidak band Anda harus berlatih secara teratur.

2. Menciptakan Lagu yang “Beracun”
Tips A :
Para pelaku industri rekaman di Indonesia menyebut tidak ada rumus baku sebuah lagu ciptaan seseorang bakal sukses di pasaran.”Tetapi yang jelas, setiap lagu yang sukses biasanya punya “racun” didalamnya”, ungkap Mohamad Wirasto, yang akrab dipanggil Kiwir, Kepala Depatemen A & R (Artist n repertoire) EMI Music Indonesia.
“Racun” yang dimaksud Kiwir adalah bagian lagu yang memorable, alias mudah diingat.Bagian tersebut bisa berupa notasi,tema lagu, aransemen musik,lirik, atau bahkan susunan bait-bait liriknya. (Kompas,15 April 2007)

Tips B :
“Inspirasi bisa datang dimana saja dan dalam suasana apa saja. Jadi untuk songwriter biasakan selalu membawa buku kecil dan mp3 untuk merekam.Kalo inspirasi diibaratkan binatang buruan, maka buku kecil dan MP3 adalah pengikat yang baik.Kadang-kadang suka hilang kalo tidak cepat dicatat/direkam (Matra, 27 Mei 2004)

Tips C :
1. Sebelum membuat lagu, coba dengarkan musik sebanyak-banyaknya. Dengerin referensi lagu sebanyak mungkin. Dari semua genre musik.Blues,Jazz,Pop,swing, Rocnroll, reggea,ska,alternatif,grunge,rap metal,emo, Dengan begitu, kita akan memiliki banyak referensi untuk modal membuat LAGU SENDIRI.
2. COBA JUJUR dalam berkarya. Bikinlah lagu yang sesuai dengan selera. Karena, saat membuat lagu yang memang kita sukai, biasanya ide akan lebih cepat mengalir.
3. Jangan malu untuk mengacu pada karya yang ada. Bukan berarti kita jadi PLAGIATOR, lho! Toh mengacu tidak sama dengan menjiplak. Hanya mempermudah kita memulai, sampai kita menemukan gaya menulis LAGU KITA SENDIRI.
4. Jangan membuat lagu yang berat. Coba buat lagu yang gampang dinyanyikan dan gampang dimainkan. Biar lebih banyak orang yang bisa menerima lagu kita.
5. PERHATIKAN LIRIK! Nggak bisa dipungkiri kalo lirik mempunyai kekuatan tersendiri dalam sebuah lagu. Lirik yang bertemakan cinta memang sangat menjual, tapi harus disesuaikan juga dengan warna musik. Cobalah buat lirik yang simpel dan menarik tapi mempunyai pesan yang baik, syukur lirik bisa ditafsirkan bermacam macam untuk memberikan ruang pikir dan perasaan masyarakat.
Boleh juga agak SEDIKIT NAKAL. Dengan lirik yang sederhana tapi nakal itu, mungkin masyarakat luas lebih bisa menerima.
6. Jangan sekali-kali mengartikan lagu bagus itu sebagai lagu yang dipenuhi berbagai instrumen. Cuma dengan gitar pun lagu bisa terdengar bagus.
INGAT, bagus bukan berarti rame. Bukan juga berarti juga KAYA BUNYI.
7. Jangan takut mendengar kritikan orang pada lagu kita. Kritikan itu justru bisa dijadikan modal untuk membuat lagu bagus di masa mendatang.


Tips #3

PANGGUNG/VENUE KECIL

Setelah lagu kamu jadi, ujilah apreasi penonton terhadap lagu ciptaan kamu sebagi uji kualitasnya.Panggung menjadi tempat yang bagus untuk mengetahui bagaimana para penonton merespon lagu ciptaan band kamu.Bisa jadi lagu favorit Anda sebagai songwriter malah tidak disukai penonton.Berarti Anda harus lapang dada, perbaiki, coba lagi terus-dan terus.

Untuk bisa manggung di venue-venue, PENSI,Acara2 Kampus,Promo rokok or Provider, band kamu harus rajin membuka hubungan dengan EO.Media,Studio musik, rental sound,dst
Tips :
1. Coba cari list promotor atau EO sebanyak mungkin di kota asalmu. Langsung kirimkan demo atau album dengan kemasan terbaik pada mereka, dan jangan lupa lengkapi dengan biodata dan foto.
2. Seru juga kalau dilengkapi dengan rekaman aksi panggung berupa VCD maupun DVD. Tentunya yang kualitasnya nggak jelek-jelek amat.
3. Coba undang promotor ke event dimana band kita ikut serta sebagai performer. Biar mereka bisa mendapatkan lebih banyak gambaran soal band kita.
4. Kalau susah dapat promotor buat konser kecil, rajin-rajin ikut festival. Percaya deh. Banyak promotor yang mencari performer lewat jalur ini.
5. Kalau dapat tawaran, jangan lantas pasang harga tinggi. Coba tempatkan band kita pada step yang sepantasnya. Ingat, pengalaman manggung membawa kita menjadi band yang baik di masa depan.
6. Saat ditonton promotor JANGAN GROGI. Cuek saja. Toh, bukan hanya mereka yang akan memberi pekerjaan pada kita.
7. Jangan terlalu menjilat. Meski banyak yang duka dijilat, tapi ada waktunya mereka ingin melihat kita bersikap TULUS.

Tips #4

MEREKAM DEMO SEDERHANA 8/12 TRACK

BIKIN DEMO YANG MENARIK
1. Pilih lagu yang dinilai bisa menggambarkan karakter dan imej band. Karena karakter dan imej amat penting di mata perusahaan rekaman.
2. Coba bikin aransemen yang sederhana namun memikat.
3. Pastikan, ada satu bagian dari keseluruhan lagu yang mengandung “racun”i. Entah itu intro, song maupun reff.
4. Rekamlah lagu dengan LAYAK. Tidak perlu mencari studio yang mahal. Tidak perlu juga merekam dengan sistem track. It’s okay merekam live,
5. Jangan lupa sertakan lirik. Karena, lirik dinilai cukup tinggi oleh tim Artist & Repertoire (A&R) *) yang mendengarkan demo kita.
6. Siapkan packaging yang menarik. Dengan packaging yang catchy dan merarik, bisa membuat A&R tertarik mengambil dan mendengarkan demo kita.

Semua hal yang disebutkan biasanya dikenal sebagai PROMO KIT, yaitu sebuah paket promo yang harus bisa merepresentasikan bukan hanya musik sebuah band namun juga imej band secara keseluruhan sehingga memudahkan perusahaan rekaman melakukan identisikasi produk.

Biasanya PROMO KIT terdiri dari CD Demo, foto band,biografi band, contact person management dan info-info menarik tentang para anggota band,kliping koran/majalah berita tentang band kamu, dan foto-foto manggung band kamu.

*) Keterangan :
A & R adalah ujung tombak label rekaman yang bertugas untuk berburu dan mengontrak artis-artis/BAND pendatang baru yang potensial menghasilkan keuntungan bagi label rekaman.

Tips #5

MEMBENTUK MANAGEMENT BAND

Tips :
MEMILIH MANAJER YANG TEPAT
Sebuah band jelas membutuhkan seorang manajer. Fungsinya bukan untuk GAYA-GAYAAN. Tapi sebagai mitra kerja band untuk mencapai sesuatu yang mereka inginkan. Pengertian manajer sebenarnya SIMPLE! Seorang manajer adalah sosok yang dianggap kapabel untuk mengatur urusan band diluar proses kreatif.
TUGASNYA BANYAK. Mulai mengatur jadwal latihan, mengatur keperluan band setiap kali manggung, menyiapkan strategi berjualan, melakukan deal dengan pihak lain yang berhubungan dengan bisnis. Dan masih banyak lainnya.
Melihat tugas yang BERANEKA RAGAM, sosok manajer sebaiknya memang tidak dipegang satu orang. Lantas bagaimana memilih manajer yang TEPAT?

Berikut ini ada beberapa tips yang BISA DICOBA!
1. MANAJER haruslah sosok yang mengenal dengan baik musik kita. Dengan mengenal produk, manajer itu bisa memikirkan banyak strategi untuk mengembangkan PRODUKNYA.
2. MANAJER haruslah sosok yang disegani oleh seluruh personil. Dengan begitu, manajer bisa jadi penengah setiap ada perselisihan. Saran-sarannya juga bakal selalu DIDENGAR. Karena wibawanya cukup besar di mata seluruh personil.
3. MANAJER harus memiliki kapabilitas untuk berbisnis di jalur musik. Setidaknya tahu soal sound system, kontrak dan berbagai masalah lain di industri musik. TIDAK HARUS ADVANCE, NAMUN PUNYA BASIC YANG CUKUP.
4. MANAJER haruslah sosok yang cerdik dan mampu menghasilkan ide-ide gemilang yang out of the box.
5. MANAJER harus memiliki kemampuan berkomunikasi tinggi. Karena dia adalah WAKIL BAND yang berhubungan dengan klien untuk berbagai urusan. MULAI DARI LEGAL SAMPAI BISNIS.


Management band bisa terdiri atas :
1. BAND MANAGER
Manajer yang berperan aktif mengatur kegiatan anak band. Mulai dari imej, pengaturan jadwal, hingga pengurusan kontrak dengan berbagai pihak.
2. BUSINESS MANAGER
Manajer yang mengurusi pengembangan bisnis sebuah band. Dia yang bertanggung jawab atas masalah bisnis sebuah band. Mulai dari soal merchandising, pengadaan fans klub, penjualan brand band, sampai promosi
3. ROAD MANAGER
Manajer bertanggung jawab mengurus segala keperluan band yang berhubungan dengan panggung dan latihan. Ketika tour bisa dibilang ia adalah ketua rombongan yang merepresentasikan kepentingan artis dan semua crew.
4. STAGE MANAGER
Manajer yang bertanggung jawab mengontrol proses load in (masuk) dan load out (keluar) segala macem hardware di sekitar panggung, mengurus keberadaan alat-alat, dan mengkoordinir teknisi.

Selain Manajer, Band juga harus mempunyai seorang LEADER.Ybs harus seseorang yang mempunyai wawasan musik yang paling luas diantara personil lainnya. Dan bisa berfungsi sebagai designer musik. Baik secara musikal maupun imej.Mempunyai jiwa kepemimpinan dan sense of bussines yang baik. Jiwa kepemimpinan karena dia harus memimpin semua anggota band dan tim management bersama dengan Manager. Sense of businness karena dia harus mampu menghidupi band,management beserta keluarganya.

Untuk Indonesia, contoh leader yang baik adalah Bimbim dengan Slank dan Pulau Biru management-nya dan Ahmad Dhani dengan DEWA 19 dan Republik Cinta Management-nya.

Walo keduanya mempunyai gaya kepemimpinan yang berbeda, but it’s OK sepanjang mampu membuat band bertahan lama dan secara bussiness masih jalan.

Tips #6

MEMBUAT STRATEGI UTK MENGEMBANGKAN KARIR BAND

Tips A :
MEMBUKA JALUR DISTRIBUSI
Kalau memang tertarik menjual musik, kita harus mencoba membuka jalur distribusi. Biar album yang kita produksi makin meluas wilayah jualnya.
Berikut tips seru guna membuka jalur distribusi.
1. Bikin perencanaan penjualan yang detail. Mulai dari jumlah album yang dijual, jumlah dana yang tersedia untuk distribusi, sampai luasnya area yang jadi target penjualan. Dengan begitu, kita bisa LEBIH FOKUS MEMAKSIMALKAN PENYEBARAN ALBUM.
2. Kalau jumlah dana untuk distribusi sedikit, ada baiknya melakukan distribusi sendir. Modalnya cuma sedikit bensin, tenaga, semangat dan kemauan, kok! Langsung saja datangi distro terdekat. Atau boleh juga datang langsung ke toko kaset yang ada di kota kamu. Langsung saja nego soal pembagian keuntungan di sana.
Tidak banyak makan dana. Sekedar catatan, sebelum nyamperin distro atau toko kaset, yakinkan kalau pendengar jenis musik kita bakal datang ke tempat itu. Kalau ternyata jarang datang, ya percuma. Album kita bakal cuma jadi ALAS DEBU.
3. Kalau punya uang lebih dan ingin distribusi yang lebih besar, langsung cari saja info seputar perusahaan distribusi di kota kita. Coba datangi satu-satu dan lakukan negosiasi. Jangan terpukau dengan angka yang murah. Jangan juga langsung sewot dengan jumlah yang besar. Lihat dulu perencanaan distribusi yang mereka buat. Soalnya, efektivitas penjualan jelas tergantung pada perencanaan.
4. Begitu album kita terdistribusikan, jangan lantas senang. Pekerjaan belum selesai. Kita harus masih mengecek ke titik pendistribusian guna mengetahui kinerja rekan usaha kita. Selain itu, juga rajin-rajin melihat laporan keuangan. Biar kalau ada masalah, bisa cepat terselesaikan.
5. Dari akar katanya, distribusi adalah menyebarkan sebuah produk ke banyak tempat. Artinya, meski album kita sudah ada di mana-mana, tetap saja dibutuhkan kegiatan lain guna menarik pembeli. Makanya, selain ditentukan distribusi, penjualan album juga amat tergantung pada promosi yang kita lakukan.

Tips B :
KIAT PROMOSI EFEKTIF
Ingat, promosi yang baik nggak selalu DIDASARI JUMLAH BUJET! Jadi bohong kalau ada yang bilang promosi besar-besaran bisa meningkatkan penjualan. Kalau strateginya tidak pas, jumlah uang makin banyak terbuang. Sementara, penjualan tetap nggak nambah-nambah.
Lantas, melakukan promosi yang EFEKTIF?
1. Pastikan dulu target market yang bakal disasar oleh produk kita. Perlu diingat, yang namanya barang jualan pasti punya pasar spesifik. Jadi mengenali pasar adalah KEHARUSAN. Biar strategi promosi bisa dibikin.
2. Setelah mengenal target market, coba bikin strategi promosi yang pas. Dan jangan lupa sesuaikan dengan budjet. Misalnya, kalo musik kita pas orang kuliahan, cobalah lakukan promosi minim budjet di beberapa tempat dekat kampus. ENTAH BAGAIMANA CARANYA. Mulai dari bagi stiker, kaos sampe main akustikan. Dengan begitu, band kita langsung terpromosikan pada pasarnya.
3. Selain cara-cara konvensional macam poster, stiker, kaos dan berbagi merchandise lainnya, mendekati media adalah sarana promosi yang penting. Karena, lewat media, pendengar musik bisa lebih kenal dekat pada band kita. Yang perlu diingat, JANGAN NYAMPAH!!!. Coba dekati media yang pas sama segmen musik kita. Biar sedikit tapi tepat sasaran.
4. PERGUNAKAN TEKNOLOGI! Cobalah berpromosi lewat SMS, Email dan berbagai situs internet seperti : You Tube, Myspace dan masih banyak lagi. Melihat kebiasaan masyarakat yang udah melek internet, media ini amat tepat buat berpromosi.
5. Coba perbanyak teman. Caranya, sering nongkrong atau korespondensi via email. Biarkan teman-teman kita ini bercerita bagaimana musik yang kita mainkan. Karena promosi word of mouth terkadang amat efektif.

Tips #7

BERNEGOISASI DENGAN LABEL

Handphone contact person band kamu dihubungi oleh A & R perusahaan rekaman. Senang?.Bahagia?.Pasti!!.Namun jangan langsung terbawa perasaan. Karena, rasa senang bisa jadi BUMERANG.

Kalau sudah dapat panggilan, langsung saja ikuti kemauan label yang berminat. Jika mereka minta tambahan lagu coba cari lagu-lagu lain yang dinilai “jualan”. Jangan mutung. Itu harus dilakukan, karena meski bergerak di bidang seni, mereka juga perusahaan yang harus menghasilkan laba.

Saat label memutuskan untuk melakukan kontrak, jangan terlampau girang.
Cobalah lakukan langkah-langkah di bawah ini :
1. Coba untuk berbicara dengan nada sewajar mungkin. Jangan cepat emosi. Entah marah atau KETAWA-KETAWA KARENA GIRANG
2. Jangan langsung ditanda tangan. Coba bawa pulang kontrak, dan lihat pasal-pasal yang berhubungan dengan keterikatan band. Mulai dari lama kontrak, bentuk kontrak (full atau kerja sama), sampai sangsi yang akan menimpa kedua belah pihak bila kontrak batal.
3. Kalau kurang mengerti, nggak apa juga minta tolong orang yang lebih mengerti. Mungkin manajer, band, teman, atau pengacara.
4. Perlu diingat, kontrak kerja adalah perjanjian kerja sama. Jangan mau dirugikan bila merasa kontraknya nggak sesuai. Langsung negosiasikan bagian-bagian yang kurang berkenan.
5. Soal duit-duitan bisa terlihat menipu. Jangan terpana sama besarnya royalti advance. Langsung selidiki bagian-bagian yang menjurus pada pendapatan kita. Biar nggak ada celah buat dicurangin.
6. Jangan pernah jual putus!
7. Kalau setuju bernaung di bawah manajemen label, pastikan posisinya menguntungkan dan kita berhak memutus kontrak bila melihat segala sesuatu nggak berjalan pada tempatnya.

CODA

Kesimpulan kami, bahwa Rahasia untuk bisa mendapatkan kontrak rekaman, selain 7 Tips diatas, adalah adanya suatu passion/sikap antusias, adanya patience/kesabaran, dan mempunyai kemauan untuk terus belajar.

PASSION/sikap antusias bisa dibangun dengan cara membentuk sebuah imajinasi dalam pikiran kamu.Sebuah imajinasi yang merdeka.Apakah sebuah tepuk tangan bergemuruh dalam sebuah konser, ataukah sebuah award yang kamu angkat tinggi-tinggi,dll.Karena imajinasi yang dibangun secara terus-menerus akan memotivasi dan mendekatkan langkah kita terhadap goals/tujuan.

Miliki PATIENCE..kesabaran..sudah bukan rahasia lagi cerita sukses tentang GIGI,Sheila on 7,Slank,DEWA19,Padi,Peterpan,dst. Semua pasti melalui sebuah masa penantian. Masa dimana ada suatu ketidakpastian tentang apa yang sedang mereka tunggu, sedang mereka harapkan. Bahkan akan ada suatu masa dimana kita merasa nothing... merasa semua usaha sia-sia...Jadi ketika kalian sudah memutuskan untuk masuk ke industri, mindset To WAIT with PASSION mutlak dimiliki.

Kemauan untuk terus belajar.CARA BELAJAR yang paling baik, menurut kami, merupakan suatu proses berkesinambungan, mulai dengan belajar secara tidak langsung yaitu dengan membaca buku, mendengarkan CD, melihat DVD, dan belajar secara langsung dari band-band sukses, ikut diskusi musik, seminar musik. Selebihnya juga BELAJAR SECARA LANGSUNG dengan bertindak, merenung, menganalisa, menyimpulkan, kemudian bersyukur dan berbagi. Demikian seterusnya dan kembali lagi ke proses awal.

Dan itulah yang kami lakukan saat ini...
Bersyukur dan berbagi dengan temen-teman semua...
Bukan ngajarin,bukan pula sok ngeguruin, tapi dengan berbagi kayak gini, kami juga bisa terus belajar dan menempa diri agar passion itu tetap terjaga...
malem, agak gerimis, ditemani laptop dan secangkir kopi

SEJARAH ADANYA SEBUAH GROUP BAND

The Westminster Baru dan Kabupaten Konser Band memiliki awal pada tahun 1930 ketika, yang dikenal sebagai Kota Royal Boys and Girls Band, itu disutradarai oleh Arthur Delamont, pendiri dan direktur Kitsilano Boys Band terkenal. Selama tahun-tahun perang tahun 1940-an, band menjabat sebagai band perwakilan dari ketiga angkatan bersenjata kita di bawah arahan Fred Turner. Pada tahun 1950-an, band ini disponsori oleh Lion's Club of New Westminster. Band ini terus eksis sebagai kelompok masyarakat dan hingga saat ini melihat keanggotaannya dibuat oleh siswa sekolah terutama tinggi. Hari ini, empat tingkat dari band-band, pemula, menengah, dan jazz senior bagian, semua memiliki representasi besar pemain dewasa dan pemuda memberikan kesempatan musik yang sangat baik untuk musisi lulus sekolah menengah dan orang dewasa muda dan dewasa yang ingin terus membuat musik di pengaturan konser band.

Band ini telah melakukan perjalanan secara ekstensif selama bertahun-tahun yang mewakili New Westminster di Jepang, Australia, di Amerika Serikat, Eropa dan Inggris serta berbagai lintas-Kanada wisata termasuk perjalanan di utara Kanada. Band ini telah menjadi peserta tajam di nasional maupun festival musik lokal, selalu tampil pada tingkat tinggi dan menikmati pengalaman.

Band senior saat ini disutradarai oleh John White. John memimpin band di tahun 1970-an dan awal '80-an, mengambil kelompok melakukan perjalanan menarik ke Denmark pada tahun 1978. Baru-baru ini (Juni 2007), Kerry Turner, coodirected dengan John selama beberapa tahun terakhir. Kerry telah baik pemain atau seorang direktur di band sejak tahun 1949. Keluarga Turner telah aktif dalam sejarah musik dari provinsi kami melalui keterlibatan mereka dalam pendidikan musik sekolah umum serta
sebagai Westminster Baru dan Masyarakat Kabupaten Band.

SEJARAH DRUM

Drum dikatakan perkusi alat musik yang tertua manusia.

Muncul dalam segala bentuk dan ukuran. Pada awalnya itu kecil dan sederhana dalam konstruksi. Cukup sepotong menyembunyikan membentang di ujung log berongga. Tongkat atau tulang digunakan sebagai pengocok. Ditemukan bahwa dengan memiliki drum ukuran yang berbeda, hal itu mungkin kemudian untuk menciptakan berbagai warna tonal dan kontras.

Drum digunakan dalam peperangan, baik sebagai sarana memberikan sinyal kepada para prajurit dan untuk menciptakan dan mendorong rasa takut kebisingan ke musuh. Kemudian drum itu digunakan dalam arti yang lebih musik, untuk menciptakan irama dan dinamika untuk Band Militer. Dalam masa damai, untuk konser atau band dansa. Di Inggris, dengan pembentukan Skotlandia Highland resimen dalam Tentara Inggris di pertengahan tahun 1800, kami adalah untuk melihat pembentukan pipa band Batalyon. band pipa sipil juga akan segera terbentuk. Menjelang akhir abad ke-19, akan ada kompetisi untuk menilai mana band pipa adalah juara lokal. Sekali lagi ini akan diikuti oleh Kabupaten dan National Championship. Akhirnya ada akan mengikuti lomba berjudul, "The Worlds 'Pipa Band Kejuaraan".

Ketika kita berpikir tentang band pipa, kita tentu memikirkan Skotlandia. Sementara Great Highland bagpipe telah menjadi instrumen musik Nasional Skotlandia, selama beberapa tahun terakhir 200 atau lebih Skotlandia telah bermigrasi dan menetap di banyak negara di seluruh dunia. Di sana mereka telah memperkenalkan musik dan tradisional budaya mereka. Ini telah mapan di negara-negara seperti, Kanada, Amerika Serikat, Australia, Selandia Baru, Asia, hanya untuk nama hanya beberapa.

Sangat menarik untuk dicatat bahwa beberapa negara Eropa lainnya juga memiliki bagpipe sebagai bagian dari warisan musik mereka dan budaya. Galicia di Spanyol, Brittany di Perancis dan juga di sejumlah negara Eropa dan Afrika Utara yang lebih kecil memiliki band pipa.

Drum, terutama snare drum, disebut "alat lapangan tak terbatas". Artinya, 'pitch tidak dapat dengan mudah dan akurat berubah. Bagaimana drumer belajar bermain drum? Dari zaman awal jelas ada beberapa bentuk dasar dirancang sehingga banyak drumer bisa bermain serempak. Tentu saja ada kemudian karena ada saat ini, hanya ... "dua drum suara". Mereka adalah ... "The TAP dan ROLL" ada. Tapi adalah banyak variasi yang besar dan pola permutasi menambahkan variasi ke fundamental ini.

Pada hari-hari awal drum dasar-dasar dan pola atau nilai yang diajarkan oleh "Rote".. Hal ini tampaknya disepakati secara historis bahwa beberapa bentuk Militer snare drum skor notasi telah digunakan setidaknya di 17 abad Pola atau diatur pemukulan semua akan harus dihafalkan. Drum secara luas digunakan dalam peperangan di Inggris dan di tempat lain untuk memberikan sinyal bagi para tentara untuk "Pasukan, Uang Muka, Maret atau Retreat dll Ada Inggris Royal Waran diterbitkan pada 1632, mendefinisikan urutan drum untuk" "Sukarela sebelum Maret "dan" The March ". Berikut adalah contoh jenis notasi drum nilai digunakan.

Pemukulan tersebut tidak akan diragukan lagi akan khas apa yang dimainkan oleh drummer militer banyak waktu. Berikut ini adalah contoh dari bagian dari "The March" ditampilkan dalam Kerajaan Waran 1632.

Kemudian drum akan menemani seruling dan begitu "dan Fife Drum Band" lahir.
The Fife merupakan instrumen yang sangat tua, awalnya hanya memiliki lima lubang suara. lebih lubang Kemudian dan juga kunci ditambahkan sejauh jangkauan instrumen.

Dari sini drumer di Inggris, Amerika Utara dan di banyak negara Eropa seperti Perancis dan Swiss, tampaknya mengadaptasi standar "lima garis" Staf musik untuk menunjukkan notasi drum. Kepala catatan untuk skor Drum Snare biasanya ditampilkan pada C "ruang" dari Treble Clef paranada. Bass Drum bagian ketika dimasukkan biasanya ditampilkan pada F "ruang". Itu tidak biasa untuk melihat jari untuk snare drum pola mengalahkan tertulis di bawah notasi sebagai: RLRR LRLL RRL dll

Tampaknya kemungkinan bahwa di era ini, bahwa dasar-dasar fundamental, seperti. The Single Tap, The Top Double, The paradiddle dan Roll, datang untuk menjadi elemen standar. Kemudian akan datang hiasan seperti ... The Flam dan The Drag.

Potters dari London dan Aldershot, Inggris terkenal pembuat drum menunjukkan dasar-dasar ini dasar di edisi terakhir dari abad ke-19 mereka "Drum, Flute dan Bugle Tugas Tutor". (1886). Namun George B. Bruce diterbitkan ... "The Drummers dan Fifers Guide", di New York, Amerika Serikat, pada tahun 1865. Tutor ini mendefinisikan notasi drum pada staf lini lima dan menunjukkan serangkaian standar dasar. Dari Prakata, ini menunjukkan bahwa sistem ini telah didirikan di Militer Amerika Serikat pada awal 1812. Dikatakan bahwa Daniel D. Emmett menulis Drummers pertama Manual untuk Angkatan Darat Amerika Serikat pada 1820 itu. George Bruce dan Dan Emmett juga dikombinasikan pada tahun 1861 untuk mempublikasikan di New York, "Drummers dan Fifers Panduan".

Pada tahun 1933, di Chicago Amerika Serikat, sekelompok drumer dari seluruh negara berkumpul untuk membahas metode pengajaran drum. Mereka semua sepakat pada satu set "dasar-dasar tiga belas Drumming". Kemudian lebih jauh tiga belas dasar ditambahkan ke daftar ini untuk membentuk "Dua puluh enam dasar-dasar penting dari Drumming". Segera "Asosiasi Nasional rudimental Drummers" didirikan. Dalam waktu yang sangat singkat keanggotaan mereka luas dunia termasuk sejumlah pipa drumer band terkemuka di Skotlandia. Pada tahun 1962, NARD menerbitkan sebuah buku yang berisi 150 skor solo ditulis oleh anggota mereka.

Di Swiss, terutama di kota Basel, di mana snare drum telah berevolusi baik di Angkatan Darat dan di Drum sipil dan band Fife (dikenal sebagai cliques), selama lebih dari empat ratus tahun. drum skor mereka ditulis dalam serangkaian "kode".
Namun pada tahun 1928, Dr Fritz Berger, yang mencatat Basel Drummer, merancang suatu sistem notasi baru untuk drummer. Ini menggunakan bentuk standar nilai musik dll notasi Namun hanya satu "staf single line" digunakan. Tangan kanan keran atau roll ditunjukkan oleh seorang kepala catatan ... di atas garis dan keran Waktu tangan atau roll, dengan kepala catatan di bawah baris. Dia menyebutnya ... "Sistem Monolinear dari Notasi".

Berikut adalah beberapa contoh notasi dari publikasi awal:
- Sebuah contoh notasi drum nilai, Henry Potter Tutor, 1886.
- Sebuah contoh notasi drum nilai, Geo. Bruce Tutor, 1865.
- Sebuah contoh dari ... Dr Fritz Berger Tutor 1928.
- Sebuah contoh dari NARD Solo Drum koleksi .... (1933) 1962.

Tapi yang terjadi di Skotlandia. Nah kita tahu bahwa pipa band militer diperkenalkan ke dalam resimen Highland di pertengahan tahun 1800 itu. band pipa sipil tidak ragu segera diikuti. Pipa Band kompetisi diperkenalkan dengan cara kecil di Games Highland lokal. Pertemuan ini telah mapan di Skotlandia sejak awal abad 18, di mana kompetisi Piping Solo kokoh.

The Cowal Highland Games di Dunoon dikreditkan dengan menjadi tempat tertua di Skotlandia dimana pipa kompetisi band telah terus-menerus telah berlangsung sejak awal abad ini. Pada tahun 1906 Komite Cowal memperkenalkan kompetisi untuk band-band pipa Militer dan pada tahun 1909 dan dengan _support dari kompetisi terlambat (Sir) Harry Lauder,, untuk band-band pipa sipil.

Drum akhir Mayor John Seton, Kepolisian Glasgow dan 93 band pipa dataran tinggi, harus dikreditkan dengan memperkenalkan dan membangun pipa drum band notasi di Skotlandia. Dia sangat dibantu dengan orang lain, untuk meningkatkan standar pipa drum band. Pada tahun 1924, John Seton dikombinasikan dengan Pipa Mayor Willie Gray untuk mempublikasikan "Koleksi Highland bagpipe Musik dan Drum Pengaturan". Buku ini berisi latihan drum banyak dan skor. Sebelum saat ini, drumer di band pipa akan sangat bergantung pada Drum dan Fife Tutor Buku, untuk mempelajari dasar-dasar drum dan notasi musik. Dalam Tutor Seton yang Snare Drum notasi skor ditampilkan dalam C "ruang" dari Treble Clef, dengan batang muncul kelurahan. Bass Drum bagian akan ditampilkan dalam Sebuah "ruang" dengan batang tersebut ditolak. Dimana hanya Snare Drum notasi hanya ditampilkan, perhatikan batang berbalik ke bawah.

Berikut adalah contohnya:

Pada tahun 1920-an itu adalah guru besar dan inovator dari band pipa drum, Drum Mayor Jimmy Catherwood dari Dalzell Highland Pipa Band, yang akan memimpin dan menginspirasi band drumer pipa untuk mengembangkan teknik baru. Jimmy's gaya dan teknik memberikan variasi yang lebih besar berirama dinamis dan banyak presentasi.

Jimmy selalu mengambil pandangan yang sangat luas pipa drum band mencari pengetahuan lain drum dan idiom perkusi. Dia juga besar pada "drum kit" dan juga disetel perkusi. The Dalzell drum korps berada di atas selama tahun 1920-an dan 30-an. Jimmy diperkenalkan kepada drumer Skotlandia, yang "Berger Monolinear sistem Notasi" untuk _Scotland pada tahun 1930-an. Setelah mengunjungi Dr Berger di Basel, Swiss, Jimmy terkesan dengan sistem ini dan yakin bahwa itu akan menjadi bantuan besar untuk drummer band pipa. Tapi itu tidak sampai tahun 1940-an bahwa sistem ini menjadi dapat diterima oleh setiap band yang pipa di Skotlandia. Hari ini di seluruh dunia, sistem monolinear adalah norma.

Mayor Jimmy Catherwood's drum korps Drum memenangkan semesta alam 'Kejuaraan banyak di era dan nama-nama terkenal melewati korps. Gordon Jelly dan Alex Duthart, hanya untuk nama dua.

Berikut adalah contoh bagian dari snare drum skor yang ditulis oleh Jimmy Catherwood pada tahun 1937 dan dimainkan oleh salah seorang muridnya, Jim Dalrymple di Solo SPBA Championships di tahun berikutnya.

Di Kota Glasgow pada 1930-an, ada lagi drumer besar baik bermain dalam memimpin band pipa dan mengajar banyak juara drum korps. Drum ini Alex Mayor D. Hamilton. Ia juga seorang drummer orkestra profesional. Dia juga memiliki perspektif yang luas drum dan perkusi. Pada tahun 1931, "AD" menerbitkan sebuah buku berjudul, "DRUM Skor", Serangkaian Advanced Pemukulan untuk Populer Tunes Pipa. The Snare, Tenor dan Bass skor tiga paranada bersiap-siap. Sebuah contoh ditunjukkan di bawah ini.

Jack Seton (anak Yohanes) adalah drummer terkemuka dari Glasgow Polisi Pipa Band dari 30-an sampai tahun 1940-an. Dia diikuti oleh Alex McCormick, yang juga seorang inovator besar dan pemain drum.

Pada tahun 1934 dengan Buku 1. dan pada tahun 1936, dengan Buku 2, kita melihat dua publikasi yang menarik lebih lanjut untuk drummer band pipa. Ini adalah "ARMY MANUAL" dari bagpipe Tunes dan Drum Pemukulan untuk berkumpul Pipa dan Drum. Awalnya diterbitkan untuk Skotlandia Highland resimen dalam Angkatan Darat Inggris, buku ini mengisi kebutuhan bagi banyak drumer mahasiswa muda dan berkumpul pertunjukan drum korps.

Drum Mayor AD Hamilton kemudian menjadi salah satu anggota pendiri Asosiasi Skotlandia Pipa Band, "Pipa Band College". Sebuah Drumming dihormati juri dari SPBA, Alex juga anggota sub komite SPBA College, yang dirumuskan Asosiasi pertama "Guru dan Buku Teks", Volume 1. Tingkat SD). Ini pertama kali diterbitkan di Glasgow tahun 1962.

Setelah Perang Dunia 2, ada tiga lainnya publikasi drum menarik. Pertama di Glasgow tahun 1951, adalah "Koleksi Gaelic". Empat puluh halaman snare drum maju skor oleh Willie Paterson dari Klan Macrae Pipa Band dan Alex McCormick dari Kepolisian Glasgow. Kedua mantan Worlds Champions. Pada tahun 1953, kita melihat "Koleksi Edcath". Ini komposisi yang terkandung oleh terkemuka pipers Skotlandia bersama dengan snare drum banyak skor oleh beberapa eksponen itu kemudian terbesar Skotlandia. Juga di awal 1950-an, Drum Mayor John Seton, sekarang tinggal di Selandia Baru, diterbitkan tutor kedua dan koleksi drum skor. Buku populer adalah berjudul, "Lima puluh Tahun balik Drum". Banyak skor termasuk yang dimainkan dengan memenangkan drum korps di Pipa semesta alam Band Championships selama 1930-an. Beberapa "modern" dasar-dasar juga disertakan.
Sejak itu telah ada sejumlah publikasi yang sangat baik untuk drummer band pipa. Skotlandia Pipa Band Asosiasi di Glasgow menerbitkan mereka "Guru dan Buku Teks", Volume 1 tahun 1962. Edisi revisi (SD) diterbitkan pada tahun 1978. Hal ini diikuti oleh Buku 2 (Intermediate Level) pada tahun 1971.

Buku-buku tutor diterima dengan baik karena mereka juga berisi silabus untuk kemudian berbagai tingkat SPBA College Ujian Sertifikasi. Mereka disambut secara luas dan manfaat drumer di banyak negara di seluruh dunia.
Pada awal 1980-an, Dewan Musik dari RSPBA setuju bahwa baik piper dan drummer harus memperluas pengetahuan musik mereka. Sekarang "Ensemble" adalah kata kunci. Selama bertahun-tahun selalu ada dalam kompetisi band pipa, hadiah untuk "terbaik drum korps" di kompetisi paling. Band kini sedang didorong untuk mengadopsi "lebih terintegrasi" pendekatan dalam kinerja mereka.

Dalam gerakan band pipa di Irlandia Utara, Piping dan Drumming Sekolah dari RSPBA (NIBranch) adalah suatu pendapat yang sama. Hal ini melihat publikasi oleh P M Sam / Baille pada tahun 1982, dari "Pendekatan Terpadu", bersama-sama dengan Pelajaran Graded. Dewan Musik di RSPBA juga mulai mengumpulkan pertama dari tiga "Belajar terstruktur" manual. Volume 1 diterbitkan pada tahun 1987. Ini diikuti oleh dua manual lebih lanjut pada tahun 1989 dan 1990. Ketiga meliputi RSPBA College Pemeriksaan Silabus untuk kebutuhan Sertifikasi untuk SD, Menengah dan tingkat Advanced untuk kedua pipers dan drumer.

Ada juga beberapa buku-buku menarik lainnya tutor sangat, kaset audio dan koleksi diterbitkan terutama untuk drummer band pipa di tahun 1980-an dan 1990-an.

Ini meliputi:

1) AFPBA The (Australia) "Drumming Instruksi Manual" 1983.
2) D / M Wilson Young, "Drum Tutor", Buku 1 dan Buku 2, bersama dengan pita audio. Glasgow.
3) "Buku Duthart Alex 1", Newmains, Skotlandia. 1987.
4) "Buku Duthart Alex 2". Newmains, Skotlandia. 1988.
5) RNZPBA ini, Selandia Baru "Kickstart Drum Tutor".
6) Buku 1 dan Buku 2, "Frase Bar Dua untuk Band Pipa Snare Drum", oleh Kerr John, Toronto, Kanada 1981.
7) "Belajar Mainkan Pipa Band Snare Drum", bersama-sama dengan 2 x 60 kaset audio. A. Chatto, 1992.

Ada juga sejumlah kecil terbitan edisi terbatas oleh terkemuka drumer terkemuka di Skotlandia dan di bagian lain dunia.
Jadi dalam semua, itulah siswa hari ini dari seni drum band pipa memiliki sejumlah besar publikasi referensi dan buku tutor yang mereka miliki. Publikasi yang lebih tua memang memberikan wawasan tentang kemajuan dan perkembangan seni. Ada banyak dari pengelompokan ini lebih tua dan dasar-dasar yang masih memiliki tempat mereka di "modern" pipa drumer band repertoar.

Ini saya berharap, memberikan sangat singkat tapi padat atas pandangan kemajuan dan pengembangan dasar-dasar drum, notasi dan karya banyak dipublikasikan minat khusus kepada siswa pipa drum band.

Kita bisa melihat bahwa dasar-dasar fundamental yang sama wajib dipelajari oleh murid drummer hari ini karena mereka hampir empat ratus tahun yang lalu.

Namun teknologi modern telah membantu untuk "meningkatkan suara" instrumen memungkinkan untuk, bersih dan lebih akurat pemukulan cepat. Hal ini tentu saja masih memerlukan siswa untuk menerapkan dedikasi besar dan praktek untuk sempurna mengendalikan tongkat, irama, ekspresi dan penggunaan halus dinamika. Bagi beberapa orang, dengan instruksi yang baik, jalan mungkin lebih mudah, tetapi tidak pernah kurang bahkan yang paling berbakat harus perjalanan jalur yang sama untuk sukses.
Itu semua harus menjadi iringan berirama untuk meningkatkan melodi. Perasaan banyak berasal dari dalam, selain apa yang cukup jelas bagi pendengar atau juri Drumming. Terus dengan praktek dan semuanya akan baik pada akhirnya.